{"id":167875,"date":"2026-07-09T14:38:47","date_gmt":"2026-07-09T12:38:47","guid":{"rendered":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/?post_type=event&#038;p=167875"},"modified":"2026-07-22T15:51:48","modified_gmt":"2026-07-22T13:51:48","slug":"the-golden-thread-interwoven-identities-and-afro-future-visions","status":"publish","type":"event","link":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/programm\/termin\/ausstellung\/the-golden-thread-interwoven-identities-and-afro-future-visions-167875\/","title":{"rendered":"Der goldene Faden: Verwobene Identit\u00e4ten und afrofuturistische Visionen"},"content":{"rendered":"<section class=\"block block-copy\" >\n    <div class=\"container-fluid\">\n\t\t<div class=\"row \">\n            <div class=\"col-xs-12 col-md-offset-2 col-md-8\">\n                <div class=\"box\">\n                    <div class=\"copy\"><p class=\"isSelectedEnd\">In vielen afrikanischen Kulturen ist Gold weit mehr als ein kostbares Metall. Es gilt als irdische Manifestation der Sonne, als Symbol f\u00fcr Lebenskraft und als Ausdruck der fortdauernden W\u00fcrde eines globalen Erbes. Historisch diente Gold als Br\u00fccke zwischen dem Spirituellen und dem Physischen: Es legitimierte F\u00fchrung, bewahrte das Wissen der Ahnen und trug es durch die Zeiten.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">The Golden Thread greift dieses Verm\u00e4chtnis auf und \u00fcbersetzt es in eine immersive Installation. Ein physischer goldener Faden zieht sich durch den kreisf\u00f6rmigen Raum und verwebt \u2014 im w\u00f6rtlichen wie im \u00fcbertragenen Sinne \u2014 die Arbeiten verschiedener K\u00fcnstler*innen der afrikanischen Diaspora. Indem unterschiedliche Ausdrucksformen miteinander verbunden werden, macht die Ausstellung jene kostbare Frequenz sichtbar, die Schwarze Gemeinschaften weltweit miteinander in Resonanz bringt.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">The Golden Thread ist eine Feier von Herkunft, Verbindung und Erinnerung \u2014 und zugleich eine lebendige Karte einer gemeinsamen Zukunft. Wir sind viele Stimmen, viele Wege und viele Geschichten. Und doch bleiben wir f\u00fcr immer verbunden durch einen einzigen, unzerbrechlichen, goldenen Faden.<\/p>\n<p>Die Pop-up-Ausstellung ist am 29. August 2026 im Rahmen der Langen Nacht der Museen im Humboldt Forum Berlin zu sehen. Das Humboldt Forum arbeitet bereits seit mehreren Jahren im Rahmen von Box Office mit The Nigerian Community e.V. zusammen. Neben k\u00fcnstlerischen Werken werden in diesem Jahr auch Arbeiten pr\u00e4sentiert, die im Rahmen eines Ferienworkshops in der Akademie des Humboldt Forums entstanden sind.<\/p>\n<\/div>\n                <\/div>\n            <\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t    <\/div>\n<\/section>\n\n<section class=\"block block-headline block-no-margin \" >\n\t<div class=\"container-fluid\">\n\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-12 col-md-offset-2 col-md-8\">\n\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t<h2 class=\".h2\">Beteiligte K\u00fcnstler*innen<\/h2>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/section>\n\n\n\n\n\n<section class=\"block block-accordion\">\n\t<div class=\"container-fluid\">\n\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t<div class=\"col-xs-12 col-md-offset-2 col-md-8\">\n\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion inline-template>\n\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"accordion\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Charlene Davis\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"CharleneDavis\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc1ded\" id=\"acc_title_6a7123cfc1df1\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Charlene Davis<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc1ded\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p class=\"isSelectedEnd\">Zeitgen\u00f6ssische bildende K\u00fcnstlerin &amp; Kunsttherapeutin (sie\/ihr)<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">\u201eMeine Arbeit ist eine Hommage an die Vielschichtigkeit der afrodiasporischen Erfahrung und zugleich ein Akt des Widerstands gegen die globale Vorherrschaft eurozentrischer Sch\u00f6nheitsideale.\u201c<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Charlene Davis ist eine zeitgen\u00f6ssische bildende K\u00fcnstlerin mit Schwarzer US-amerikanischer und deutscher Herkunft. In ihrer Arbeit setzt sie sich intensiv mit Schwarzer Identit\u00e4t, Widerstand und afrozentrischer Sch\u00f6nheit auseinander. Ihre k\u00fcnstlerische Praxis f\u00e4ngt Blicke ein, die komplexe Geschichten erz\u00e4hlen, und er\u00f6ffnet durch die eindringliche Pr\u00e4senz Schwarzer Menschen, die sie bewusst ins Zentrum ihrer Gem\u00e4lde r\u00fcckt, neue Welten. Dabei konzentriert sie sich auf die Augen als unmittelbarstes Mittel der Kommunikation. In ihnen wird ein besonderes, \u00fcber Generationen weitergegebenes Wissen sichtbar. Auf diese Weise schafft Davis eine kraftvolle und selbstbestimmte Verbindung zwischen den dargestellten Personen, der K\u00fcnstlerin und den Betrachter*innen. Sie stellt sicher, dass die einzigartige Vielschichtigkeit der afrodiasporischen Erfahrung weder vereinfacht noch ausgel\u00f6scht wird.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Ihre k\u00fcnstlerische Auseinandersetzung steht in unmittelbarer Verbindung zum zentralen Ausstellungstitel <strong>THE GOLDEN THREAD<\/strong>. In diesem Kontext versteht sie den goldenen Faden nicht lediglich als \u00e4sthetisches Element, sondern als widerstandsf\u00e4higen, unsichtbaren Strom der Kontinuit\u00e4t, der Generationen und diasporische Gemeinschaften \u00fcber Zeit und Raum hinweg miteinander verbindet. F\u00fcr Davis verk\u00f6rpert dieser Faden ein kostbares gemeinsames Verm\u00e4chtnis aus Geist, k\u00fcnstlerischem Ausdruck und kollektiver Widerstandskraft. Er manifestiert sich in einer verbindenden \u201eMelanEssence\u201c \u2013 zugleich der Titel ihrer ersten Einzelausstellung im Jahr 2025 \u2013 sowie in einem entschlossenen Streben nach Selbstbestimmung, das die globale Schwarze Erfahrung verankert. Indem ihre Kunst diesem besonderen Strom folgt, verwandelt sie visuelle Sprache in ein kraftvolles Zeichen der Sichtbarkeit.<\/p>\n<p>Aus dieser Perspektive heraus weist Davis eurozentrische und patriarchale Geschichtsbilder entschieden zur\u00fcck, die marginalisierten K\u00f6rpern und Erfahrungen \u00fcber lange Zeit nicht gerecht wurden. Ihr k\u00fcnstlerisches Schaffen versteht sich daher nicht nur als Feier von Identit\u00e4t, sondern auch als politischer Widerstand gegen die globale Vorherrschaft bestimmter \u00e4sthetischer Normen. In ihren sorgf\u00e4ltig komponierten Arbeiten verbinden sich tiefe Emotionalit\u00e4t, Sinnlichkeit und eine unverwechselbare Bildsprache. So schreibt Davis zeitgen\u00f6ssische Repr\u00e4sentation neu: jenseits begrenzender Stereotype und hin zu einer radikalen, selbstbestimmten Best\u00e4tigung Schwarzer Identit\u00e4t und Erfahrung.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Josephate Leon\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"JosephateLeon\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc2331\" id=\"acc_title_6a7123cfc2333\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Josephate Leon<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc2331\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p>Bildender K\u00fcnstler (er\/ihm)<\/p>\n<p><em>\u201cMein Stil ist \u201eSpirituelle Majest\u00e4t\u201c. Ich kombiniere zeitgen\u00f6ssische Malerei mit der tiefen Symbolik afrikanischen Erbes. Meine Kunst ist kein blo\u00dfes Abbild, sondern ein ritueller Prozess, der die verborgene W\u00fcrde und das Licht der schwarzen Seele sichtbar macht.&#8220;<\/em><\/p>\n<p>Josephate Leon ist ein zeitgen\u00f6ssischer bildender K\u00fcnstler, dessen k\u00fcnstlerisches Schaffen die sakralen Wurzeln Schwarzer Identit\u00e4t wiederentdeckt, hervorhebt und beleuchtet. Leon definiert seinen einzigartigen k\u00fcnstlerischen Stil als \u201eSpiritual Majesty\u201c (Spirituelle Majest\u00e4t) und verbindet moderne Maltechniken mit der bedeutungsvollen, \u00fcberlieferten Symbolik des afrikanischen Erbes. F\u00fcr ihn geht der Akt des Schaffens \u00fcber die blo\u00dfe visuelle Darstellung hinaus; es ist ein sorgf\u00e4ltiger ritueller Prozess, der darauf abzielt, die innewohnende W\u00fcrde und den strahlenden Geist der schwarzen Seele aufzudecken und zum Ausdruck zu bringen. In seinen Gem\u00e4lden setzt er sich mit einer zentralen, treibenden Frage auseinander: \u201eWie k\u00f6nnen wir die gestohlene W\u00fcrde und spirituelle Kraft unserer Vorfahren in unsere moderne Identit\u00e4t zur\u00fcckbringen?\u201c<\/p>\n<p>Geboren in der Demokratischen Republik Kongo (Kinshasa), tr\u00e4gt Leon die spirituellen Rhythmen und die historische Tiefe seiner Heimat in seinem kreativen Bewusstsein. Seit siebzehn Jahren lebt und arbeitet er in Berlin, einer Stadt, deren pulsierende, urbane Energie direkt mit den majest\u00e4tischen Traditionen des Kongo kollidiert und verschmilzt. Sein Weg als K\u00fcnstler verlief jedoch selten geradlinig. In Zeiten intensiver Selbstzweifel, zerm\u00fcrbender harter Arbeit und tiefer Momente der Orientierungslosigkeit nutzte Leon seine Kunst als unverzichtbaren Anker, w\u00e4hrend er sein Leben in Berlin aufbaute. Diese Reise der Resilienz pr\u00e4gte ihn mit unersch\u00fctterlicher Disziplin und einer zentralen philosophischen \u00dcberzeugung: dass jeder Schatten seinen rechtm\u00e4\u00dfigen Platz im Licht verdient.<\/p>\n<p>Leon arbeitet vorwiegend mit Acrylfarben auf Leinwand und nutzt die Freiheit der Mischtechnik, um Texturen und eine beeindruckende kompositorische Tiefe zu schaffen. Ein charakteristisches Merkmal seines Schaffens ist der bewusste Einsatz goldener Akzente, die als kraftvolle Metapher f\u00fcr die L\u00e4uterung und Veredelung menschlichen Leidens sowie als Spiegelbild g\u00f6ttlicher Gnade dienen. H\u00e4ufig experimentiert er mit organischen, erdverbundenen Materialien, die eine buchst\u00e4bliche, physische Verbindung zu seinen angestammten Wurzeln herstellen. In seinem Schaffen sind Materialien niemals willk\u00fcrlich gew\u00e4hlt; sie werden bewusst ausgew\u00e4hlt, um die \u00fcbergreifende Erz\u00e4hlung zu w\u00fcrdigen und der spirituellen Erhabenheit sowie der W\u00fcrde des Themas zu dienen.<\/p>\n<p>Eine tiefgreifende innere Wandlung in diesem Jahr markierte einen Wendepunkt in Leons Leben und Karriere, als er die bewusste Entscheidung traf, die Vergangenheit hinter sich zu lassen und seine Verantwortung als Mensch und Sch\u00f6pfer voll und ganz anzunehmen. Dieser entscheidende Wandel spiegelt sich direkt in seinem bahnbrechenden Kunstwerk \u201eShadow King\u201c wider und beweist, dass jede Erfahrung des Verlusts letztendlich seine k\u00fcnstlerische Vision gesch\u00e4rft und seine Hand entschlossener gemacht hat. F\u00fcr Leon steht \u201eThe Golden Thread\u201c f\u00fcr eine ununterbrochene, g\u00f6ttliche spirituelle Verbindung zur\u00fcck nach Afrika \u2013 ein Leitstern, der ihn dazu anleitet, die gestohlene oder missverstandene Gro\u00dfartigkeit der afrikanischen Kunst wiederherzustellen. Durch sein Werk l\u00e4dt er die Betrachter (insbesondere das Schwarze Publikum) dazu ein, ihre eigene majest\u00e4tische Abstammung anzuerkennen, und erinnert die Welt daran, dass afrikanische Kunst nicht durch ihr Trauma definiert wird, sondern durch eine uralte, heilige und triumphale Sch\u00f6nheit.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Nad\u00e8ge Aur\u00e9lie\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"NadgeAurlie\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc260d\" id=\"acc_title_6a7123cfc260f\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Nad\u00e8ge Aur\u00e9lie<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc260d\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p>Bildende K\u00fcnstlerin &amp; Performancek\u00fcnstlerin (sie\/ihr)<\/p>\n<p><em>\u201eMeine k\u00fcnstlerische Praxis ist ein inneres Erwachen. Eine Sichtweise, die durch Ber\u00fchrung vermittelt wird. Ein Bild, das dort spricht, wo Sprache versagt. Als deutsch-kongolesische K\u00fcnstlerin bewege ich mich durch Schichten der Erinnerung, durch R\u00e4ume, die sich zugleich fremd und vertraut anf\u00fchlen.\u201c<\/em><\/p>\n<p>Nadege Aur\u00e9lie ist eine zeitgen\u00f6ssische deutsch-kongolesische bildende K\u00fcnstlerin, deren zutiefst intuitive und emotionale Praxis als Landschaft des inneren Erwachens fungiert. Angetrieben von dem grundlegenden Bed\u00fcrfnis, komplexe Gef\u00fchle zu materialisieren, f\u00fcr die verbale Sprache oft nicht ausreicht, nutzt Aur\u00e9lie ihre Kunstwerke als heiligen Raum der Selbsterforschung und tiefgreifenden Wiederverbindung. F\u00fcr sie wird Identit\u00e4t nicht durch einen festen geografischen Ort definiert, sondern als ein fortw\u00e4hrender, flie\u00dfender Strom erlebt, der von Verlust, Sehnsucht und dem best\u00e4ndigen Wunsch, sichtbar zu werden, gepr\u00e4gt ist. Ihr kreativer Weg hat sich zu einem durch und durch emotionalen Prozess entwickelt, der ihre tiefen pers\u00f6nlichen Erfahrungen in universelle Erkundungen der menschlichen Innenwelt verwandelt.<\/p>\n<p>Aur\u00e9lies Gem\u00e4lde basieren nicht auf einer linearen Erz\u00e4hlweise; vielmehr fungieren sie als kraftvolle Verdichtungen von Erinnerung und unverf\u00e4lschten Gef\u00fchlen. Durch die Arbeit mit Farbe, strukturierten Oberfl\u00e4chen und einem offenen Mixed-Media-Ansatz l\u00e4sst sie sich bei der Materialwahl organisch von dem leiten, was sich im fl\u00fcchtigen Moment des Schaffens vollkommen richtig anf\u00fchlt. Durch stark taktile Schichten untersucht sie in ihren Arbeiten, wie historisches Erbe und die Herkunft der Vorfahren weiterhin aktiv lebendig sind und sich direkt in physische K\u00f6rper und individuelle Biografien einschreiben. Ihre Kunst dient als gro\u00dfz\u00fcgiger, uneingeschr\u00e4nkter Zufluchtsort, an dem das Unsichtbare und das Unausgesprochene sich endlich offen offenbaren d\u00fcrfen.<\/p>\n<p>Als K\u00fcnstlerin mit unterschiedlicher Herkunft, die sich in den R\u00e4umen zwischen Deutschland und der Demokratischen Republik Kongo bewegt, erforscht Aur\u00e9lie kontinuierlich die psychologische Erfahrung des Daseins zwischen getrennten Welten. Ihre Beziehung zu Afrika ist zutiefst emotional, pers\u00f6nlich und fragmentiert und weigert sich, sich auf eine einzige kulturelle Schublade festlegen zu lassen. In ihrer k\u00fcnstlerischen Praxis wird \u201eBlackness\u201c nicht als starres soziales Etikett verstanden, sondern als reichhaltige, gelebte Erfahrung, die fortw\u00e4hrend durch das Ged\u00e4chtnis der Vorfahren, kollektiven Widerstand, tiefgr\u00fcndige Sch\u00f6nheit und vielf\u00e4ltige globale Einfl\u00fcsse gepr\u00e4gt wird. Sie erforscht aktiv die fl\u00fcchtigen \u201eZwischenr\u00e4ume\u201c der Diaspora und untersucht, wie Familiengeschichten, unausgesprochene Traumata und emotionales Erbe heutige, vielschichtige Identit\u00e4ten pr\u00e4gen.<\/p>\n<p>Ihr konzeptioneller Rahmen ist eng mit dem Thema \u201eTHE GOLDEN THREAD\u201c verflochten, das sie sich als eine lebenswichtige, unsichtbare Verbindung vorstellt, die Generationen, pers\u00f6nliche Erz\u00e4hlungen, physische K\u00f6rper und tiefe innere Wunden miteinander verkn\u00fcpft. F\u00fcr Aur\u00e9lie ist dieser Faden eine widerstandsf\u00e4hige Rettungsleine, die den Einzelnen auch in verheerenden Momenten kultureller oder pers\u00f6nlicher Zerrissenheit weiterhin verankert und tr\u00e4gt. Ihre k\u00fcnstlerische Praxis wurde ma\u00dfgeblich von pers\u00f6nlichen Erfahrungen mit Verlust und Zerrissenheit gepr\u00e4gt, ebenso wie von entscheidenden, best\u00e4rkenden Begegnungen mit anderen Schwarzen K\u00fcnstlern und Perspektiven der Diaspora, die unverf\u00e4lschte Verletzlichkeit w\u00fcrdigen. Letztendlich m\u00f6chte Aur\u00e9lie ihre Betrachter emotional ber\u00fchren und sie dazu einladen, \u00fcber das analytische Verst\u00e4ndnis hinaus in den Bereich des reinen Gef\u00fchls vorzudringen. Sie bietet einen transformativen Raum, in dem der Einzelne seine eigenen Schatten erkennen und sich ein wenig weniger allein f\u00fchlen kann.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Naomi Boima\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"NaomiBoima\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc28f9\" id=\"acc_title_6a7123cfc28fb\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Naomi Boima<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc28f9\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p class=\"isSelectedEnd\">Zeitgen\u00f6ssische Multimedia- und Glask\u00fcnstlerin (sie\/they)<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">\u201eMeine Arbeit erkundet den Raum zwischen der Verbindung zu meinen Vorfahr*innen und queerer Existenz. Sie fragt danach, was es bedeutet, das Wissen jener in sich zu tragen, die vor uns kamen, und zugleich in einem K\u00f6rper und mit einer Identit\u00e4t zu leben, die innerhalb eben dieser Abstammungslinie h\u00e4ufig unsichtbar gemacht wurden.\u201c<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Naomi Boima ist eine in Berlin geborene zeitgen\u00f6ssische bildende K\u00fcnstlerin und Performancek\u00fcnstlerin. Ihre multidisziplin\u00e4re Praxis bewegt sich an der bedeutenden Schnittstelle von Schwarzem Feminismus, der queeren Wiederaneignung von Archiven und der Erinnerung an ihre Vorfahr*innen. Verwurzelt in ihrer afrodiasporischen Identit\u00e4t und ihrem sierra-leonischen Erbe, nutzt Boima ihren K\u00f6rper und sorgf\u00e4ltig ausgew\u00e4hlte Materialien als aktive Medien, um das Wissen, die Trauer und den fortw\u00e4hrenden Widerstand zu w\u00fcrdigen, die \u00fcber Generationen hinweg weitergegeben wurden. Ihr k\u00fcnstlerischer Antrieb entspringt dem tiefen Bed\u00fcrfnis, in einem best\u00e4ndigen Dialog mit den Menschen vor ihr zu bleiben. Dabei bringt sie deren verborgene Verm\u00e4chtnisse zum Vorschein und setzt sich zugleich mit den ineinandergreifenden institutionellen Machtstrukturen auseinander, die versucht haben, diese auszul\u00f6schen.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Boimas eigenst\u00e4ndige Materialsprache umfasst Glas, Illustration, Skulptur und Performance und bewegt sich bewusst zwischen dem Physischen und dem Metaphysischen. Besonders das Material Glas fasziniert sie aufgrund seiner poetischen Widerspr\u00fcche: Es ist zugleich zerbrechlich und widerstandsf\u00e4hig, transparent und doch zu tiefgreifender Verzerrung f\u00e4hig. Ihre Arbeit mit diesem anspruchsvollen Material wurde entscheidend weiterentwickelt, als sie 2025 das renommierte Glasstipendium der Alexander Tutsek-Stiftung erhielt. Dadurch entstand eine leuchtende und sich stetig weiterentwickelnde Materialsprache. In ihren Illustrationen dokumentiert und interpretiert Boima Figuren und Symbole neu. So schafft sie ein greifbares physisches Archiv, das fragmentierte und unausgesprochene spirituelle Geschichten auf Papier \u00fcbertr\u00e4gt.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Ein zentraler Ausgangspunkt ihrer Praxis ist die kritische Auseinandersetzung mit der Verbindung von ancestralem Erbe und queerer Existenz. Boima untersucht, wie ein Schwarzer queerer K\u00f6rper sowohl historische Br\u00fcche als auch generationen\u00fcbergreifende Kontinuit\u00e4t in sich tr\u00e4gt. Damit bringt sie eine queere Perspektive in R\u00e4ume ein, in denen diese Identit\u00e4ten lange Zeit unsichtbar gemacht wurden. Ihre k\u00fcnstlerische Entwicklung wurde ma\u00dfgeblich durch internationale Erfahrungen und gemeinschaftsorientiertes Engagement gepr\u00e4gt. Austauschsemester in London und Buenos Aires er\u00f6ffneten ihr vergleichende Perspektiven auf Erfahrungen von Vertreibung und Entwurzelung im Globalen S\u00fcden. Von 2020 bis 2023 leitete sie zudem die antirassistische mobile Bibliothek Audream, wodurch Zug\u00e4nglichkeit und gemeinschaftliche F\u00fcrsorge zu festen Bestandteilen ihrer k\u00fcnstlerischen Praxis wurden. Ihre Teilnahme an der Queer Artist Residency \u201eMirror of Creation\u201c im Jahr 2023 stellte einen weiteren Wendepunkt dar und r\u00fcckte queere Perspektiven ausdr\u00fccklich ins Zentrum ihrer Arbeit.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Innerhalb dieses vielschichtigen Bezugsrahmens versteht Boima <strong>THE GOLDEN THREAD<\/strong> als einen lebendigen Strom des Wissens ihrer Vorfahr*innen: als kollektive Weisheit, F\u00fcrsorge und Widerstandskraft, die systematische Vertreibung \u00fcberdauern und durch den Kolonialismus niemals vollst\u00e4ndig unterbrochen werden konnten.<\/p>\n<p>Mit ihrer Arbeit m\u00f6chte Boima einen transformativen Raum der Best\u00e4tigung schaffen, in dem sich Schwarze und queere Betrachter<em>innen in ihrer Vielschichtigkeit gesehen f\u00fchlen. Zugleich hinterfragt sie bewusst herk\u00f6mmliche historische Gewissheiten und macht sichtbar, dass die Pr\u00e4senz der Vorfahr<\/em>innen keine statische Vergangenheit ist, sondern eine lebendige und wirksame Kraft.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Olachi Opara\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"OlachiOpara\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc2bc5\" id=\"acc_title_6a7123cfc2bc7\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Olachi Opara<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc2bc5\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p>Zeitgen\u00f6ssische bildende K\u00fcnstlerin (sie\/ihr)<\/p>\n<p>\u201eIch hoffe, dass meine Kunst Wahrheiten offenlegt, die wir \u00fcber uns selbst nicht wussten \u2013 oder vielmehr bewusst ignoriert haben. Ich hoffe, ihr seht es.\u201c<\/p>\n<p>Olachi Opara ist eine autodidaktische, vielseitige K\u00fcnstlerin, deren Schaffen Acryl, Graphit, Fluid-Painting, Textilarbeiten und Mischtechniken umfasst. Geleitet von Intuition, Schmerz, Rebellion und pers\u00f6nlicher Erfahrung schafft ihr Werk Raum f\u00fcr Ehrlichkeit, Spannung und Wahrheit.<\/p>\n<p>Ihre Kunst besch\u00e4ftigt sich mit Weiblichkeit, Identit\u00e4t, Schmerz und Kontrolle. Sie ist gepr\u00e4gt von einer lebenslangen Berufung, der sie seit ihrem f\u00fcnften Lebensjahr folgt, sowie von einer jahrzehntelangen Reise der Selbstfindung, die zun\u00e4chst von ihrer Cousine, der renommierten K\u00fcnstlerin Obieze Osuagwu, gef\u00f6rdert wurde.<\/p>\n<p>Seit ihrem Umzug von Nigeria nach Deutschland im Jahr 2018 haben Opara\u2019s Werke eine neue Tiefe gewonnen, gepr\u00e4gt von den vielschichtigen Erfahrungen der Migration und der stillen St\u00e4rke, die im Widerstand gegen gesellschaftliche Erwartungen w\u00e4chst. Sie schafft am Rande der Zugeh\u00f6rigkeit und im Zentrum des Selbst und fertigt Werke, die nicht mit Lautst\u00e4rke, sondern mit unersch\u00fctterlicher Klarheit sprechen.<\/p>\n<p>W\u00e4hrend ihre fr\u00fchen Arbeiten den Betrachtenden einen Einblick durch ihre eigenen Augen gew\u00e4hrten, \u00f6ffnet ihr aktuelles Schaffen eine T\u00fcr anderer Art \u2013 einen Raum, in dem jeder Mensch sich selbst klarer erkennen kann, jenseits von Interpretation und Erkl\u00e4rung.<\/p>\n<p>Olachi Opara\u2019s Werke f\u00fcr die Ausstellung \u201eTHE GOLDEN THREAD\u201c sind selbst eine Art Migration: ein Selbst, das \u00fcber Grenzen hinweggetragen, entwirrt und zu etwas Neuem verwoben wird, das noch im Werden begriffen ist. Zugeh\u00f6rigkeit war f\u00fcr sie nie ein fester Ort, sondern ein Faden, dem sie von Nigeria nach Deutschland folgen musste, vom Rand zweier Identit\u00e4ten zum Zentrum ihrer eigenen \u2013 der goldene Faden, der ihre eigenen Wege nach Hause nachzeichnet. Ihre Kunst l\u00f6st weder den Schmerz noch das Werden auf; sie benennt sie lediglich und vertraut darauf, dass diese Benennung ausreicht, um von jedem gesp\u00fcrt zu werden, der denselben Weg geht.<\/p>\n<p>Olachis Werk verlangt nicht danach, verstanden zu werden, es besteht einfach darauf, zu sein, und l\u00e4sst das, was lange vergraben war, an die Oberfl\u00e4che kommen, sichtbar werden und vielleicht endlich benannt werden.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Philip Hudgson Dorrel\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"PhilipHudgsonDorrel\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc2ec5\" id=\"acc_title_6a7123cfc2ec7\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Philip Hudgson Dorrel<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc2ec5\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p class=\"isSelectedEnd\">Zeitgen\u00f6ssisch t\u00e4tige Person in den Bereichen bildende Kunst und Performancekunst<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">\u201eAlles beginnt mit dem Sammeln allt\u00e4glich genutzter, kritischer Materialien \u2013 etwa gebrauchter Kaffeekapseln \u2013 und der Inspiration, die daraus entsteht. Aus der N\u00e4he sieht man die Kapseln; aus der Entfernung erscheint pl\u00f6tzlich etwas Neues. So wird das Publikum auf einen anderen Weg gef\u00fchrt und dazu angeregt, \u00fcber Dinge, Kunst, Konsum und Kommunikation neu nachzudenken.\u201c<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Philip Hudgson Dorrel ist ein innovativer karibischer bildender K\u00fcnstler und Performancek\u00fcnstler, dessen einzigartige Mosaikpraxis die Grenzen zeitgen\u00f6ssischer Materialit\u00e4t und kultureller Erinnerung auslotet. Er wurde 1968 auf der kulturell vielf\u00e4ltigen Insel San Andr\u00e9s geboren und wuchs in einem reichen kulturellen Erbe auf, das von den Rhythmen von Salsa, Merengue, Reggae und Calypso gepr\u00e4gt war. Bereits in jungen Jahren wirkte er an preisgekr\u00f6nten Kulturprojekten mit. 1994 zog Dorrel nach Berlin und begann dort seine autodidaktische k\u00fcnstlerische Laufbahn. Er setzte sich intensiv mit Museumssammlungen auseinander, erweiterte seine Praxis um Malerei und Tanz und entwickelte eine unverwechselbare k\u00fcnstlerische Handschrift. Heute befinden sich seine grenz\u00fcberschreitenden Arbeiten in renommierten Privatsammlungen in New York, Athen, Berlin und Kolumbien.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Im Zentrum seiner eigenst\u00e4ndigen Praxis steht die Verwandlung gew\u00f6hnlicher Konsumabf\u00e4lle in eindrucksvolle Werke der bildenden Kunst. Dorrel arbeitet vor allem mit metallischen Kaffeekapseln, die er auf Leinw\u00e4nden befestigt und wie eine selbst gew\u00e4hlte Farbpalette einsetzt. Indem er die Kapseln nebeneinander anordnet und ihre urspr\u00fcnglichen Farben sowie ihre zusammengedr\u00fcckten Formen bewahrt, erzeugt er eine starke optische Wirkung. Aus der N\u00e4he werden die Betrachter*innen mit dem unverarbeiteten Konsumprodukt konfrontiert. Aus der Distanz jedoch f\u00fcgen sich die einzelnen Bestandteile zu erkennbaren, ikonischen Motiven aus Kunstgeschichte und Film sowie zu Portr\u00e4ts von Familienmitgliedern zusammen. Dieser bewusste Perspektivwechsel er\u00f6ffnet kritische R\u00e4ume f\u00fcr den Dialog und fordert das Publikum dazu auf, das menschliche Verh\u00e4ltnis zu Konsum, Massenkommunikation und Umwelt neu zu betrachten.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Eine zentrale Rolle in seiner Auseinandersetzung spielt das Konzept von <strong>THE GOLDEN THREAD<\/strong>. Dorrel versteht den goldenen Faden als unzerrei\u00dfbare ancestrale Nabelschnur, die die karibische Diaspora unmittelbar mit Afrika verbindet. Schwarzsein und Herkunft sind f\u00fcr ihn keine abstrakten politischen Zuschreibungen, sondern ein allgegenw\u00e4rtiges Erbe, das im Alltag weitergetragen wird und sich in Sprache, Essen, Tanz und kollektivem Ged\u00e4chtnis zeigt. Seine Kunst fungiert als ein wichtiger Akt des Erinnerns und tr\u00e4gt dazu bei, dass die Verbindung zu den Vorfahr*innen niemals abrei\u00dft. In seinen sorgf\u00e4ltig komponierten Arbeiten r\u00fcckt Dorrel Schwarze Sch\u00f6nheit und famili\u00e4re Intimit\u00e4t bewusst ins Zentrum. Die schimmernden und reflektierenden Eigenschaften der metallischen Materialien nutzt er, um Gemeinschaften und Geschichten zum Leuchten zu bringen, die historisch marginalisiert wurden.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Angetrieben von dem best\u00e4ndigen Wunsch, die Grenzen menschlicher Vorstellungskraft zu \u00fcberschreiten, fragt Dorrel immer wieder, welches weitere Potenzial sich aus gew\u00f6hnlichen Materialien gewinnen l\u00e4sst, um etwas radikal Neues zu schaffen. Dieser offene Ansatz m\u00fcndete zuletzt in einer eindrucksvollen Kunstperformance mit selbst entworfener, tragbarer Kunst, durch die seine strukturellen Kompositionen unmittelbar in eine dreidimensionale Bewegung \u00fcberf\u00fchrt wurden.<\/p>\n<p>Letztlich hofft Dorrel, dass die Betrachter*innen nicht nur die Sch\u00f6nheit der Werke in ihrer Gesamtwirkung wahrnehmen, sondern zugleich die Botschaft erkennen, die in jeder einzelnen Kapsel steckt. So wird seine k\u00fcnstlerische Praxis zu einem lebendigen Medium gesellschaftlicher Reflexion und transkultureller Verst\u00e4ndigung.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Shaima Dief\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"ShaimaDief\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc30f5\" id=\"acc_title_6a7123cfc30f7\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Shaima Dief<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc30f5\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p><em>Bildende K\u00fcnstlerin (sie\/ihr)<\/em><\/p>\n<p>\u201eIm Mittelpunkt meiner k\u00fcnstlerischen Arbeit steht die St\u00e4rkung von Frauen, wobei mein besonderes Augenmerk auf Frauen in Afrika, insbesondere in S\u00fcdafrika, liegt. Als \u00e4gyptische K\u00fcnstlerin lasse ich mich zutiefst von der St\u00e4rke, der Widerstandsf\u00e4higkeit, der Sch\u00f6nheit und der kulturellen Identit\u00e4t afrikanischer Frauen inspirieren.\u201c<\/p>\n<p>Shaima Dief ist eine zeitgen\u00f6ssische bildende K\u00fcnstlerin aus \u00c4gypten, deren ausdrucksstarke Arbeit als wirkungsvolles Instrument f\u00fcr die St\u00e4rkung von Frauen, die R\u00fcckeroberung kultureller Identit\u00e4t und k\u00fcnstlerischen Widerstand dient. Tief bewegt von der St\u00e4rke, der Widerstandsf\u00e4higkeit und der komplexen Identit\u00e4t von Frauen auf dem gesamten afrikanischen Kontinent, setzt sich Dief mit Themen wie Weiblichkeit, kulturellem Erbe und Selbstausdruck auseinander. Ihr kreativer Werdegang ist gepr\u00e4gt von der Notwendigkeit, die Stimmen von Frauen in Bereichen sichtbar zu machen, in denen sie regelm\u00e4\u00dfig an den Rand gedr\u00e4ngt oder zum Schweigen gebracht werden. Nach ihrem Umzug von \u00c4gypten nach Deutschland war ihre Entwicklung gepr\u00e4gt von der beharrlichen Weigerung, Kompromisse bei ihrer Botschaft einzugehen. Fr\u00fche k\u00fcnstlerische Zensur und Kritik wurde ihr Antrieb f\u00fcr eine engagierte Auseinandersetzung mit pers\u00f6nlicher und kollektiver weiblicher Souver\u00e4nit\u00e4t.<\/p>\n<p>Diefs akademische und berufliche Entwicklung erhielt w\u00e4hrend ihres Kunststudiums an der Bauhaus-Universit\u00e4t Weimar erheblichen Auftrieb; dort bot sich ihr erstmals die Gelegenheit, in einem internationalen k\u00fcnstlerischen Umfeld auszustellen, und es entwickelte sich eine selbstbewusste, analytische Auseinandersetzung mit Fragen der Darstellung. Sp\u00e4ter, als sie in Leipzig ausstellte, sah sie sich institutionellem und gesellschaftlichem Druck ausgesetzt, der versuchte, sie eng gefasst als \u201edie afrikanische K\u00fcnstlerin\u201c zu etikettieren, in der Erwartung, dass ihre Arbeiten stereotype Erz\u00e4hlungen von Schw\u00e4che oder Leid reproduzieren w\u00fcrden. Diesen \u00e4u\u00dferen Erwartungen trotzend entschied sich Dief bewusst daf\u00fcr, eine Gegenerz\u00e4hlung zu konstruieren, indem sie afrikanische Frauen als beeindruckende, souver\u00e4ne und fast gottinnenhafte Figuren darstellte und damit moderne Wahrnehmungen marginalisierter K\u00f6rper neu definierte.<\/p>\n<p>Dief arbeitet vorwiegend mit Acrylfarbe, \u00d6lstiften, Tinte, goldenem Papier und Mischtechniken auf Leinwand und setzt kontrastierende Texturen ein, um vielschichtige, ausdrucksstarke Kompositionen zu schaffen, die die psychologische Tiefe ihrer Motive widerspiegeln. Ihre k\u00fcnstlerische Auseinandersetzung schl\u00e4gt eine direkte historische Br\u00fccke und stellt moderne gesellschaftliche Einschr\u00e4nkungen den kraftvollen Darstellungen von Frauen in alten afrikanischen Zivilisationen gegen\u00fcber, insbesondere in der alt\u00e4gyptischen Mythologie. Indem sie die historische Wahrheit \u00fcber Frauen als verehrte Symbole der Weisheit, des Schutzes und der Sch\u00f6pfung wiederbelebt, bricht sie aktiv mit zeitgen\u00f6ssischen Stereotypen, um die angeborene Erhabenheit, die \u201eSoft Power\u201c und den historischen Einfluss wiederherzustellen, die afrikanische Frauen seit jeher verk\u00f6rpern.<\/p>\n<p>In diesem Rahmen begreift Dief \u201eThe Golden Thread\u201c als eine wesentliche Verbindungslinie, als unsichtbares Band, das die Vergangenheit mit der Gegenwart, Afrika mit seiner Diaspora und die Geschichte mit der zeitgen\u00f6ssischen Identit\u00e4t verbindet. F\u00fcr eine \u00e4gyptische K\u00fcnstlerin, die im Ausland lebt und arbeitet, dient dieser Faden als wichtiger Anker zu ihren Wurzeln, w\u00e4hrend sie sich in Deutschland mit Themen wie Erinnerung und Zugeh\u00f6rigkeit auseinandersetzt. Indem sie diese vielschichtigen inneren Landschaften offenlegt, hofft Dief, einen interkulturellen Dialog anzuregen, der die Betrachter dazu inspiriert, eurozentrische und patriarchalische Geschichtsdarstellungen zu hinterfragen. Letztendlich sind ihre Gem\u00e4lde eine tiefgreifende Einladung an Frauen \u00fcberall auf der Welt, ihre eigene heilige Kraft zu erkennen, und schaffen einen transformativen Raum, in dem sie nicht nur gesehen, sondern zutiefst anerkannt und gest\u00e4rkt werden.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<block-accordion-item inline-template item-headline=\"Thuli Wolf\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"item\" data-id=\"ThuliWolf\" class=\"block-accordion-item vue-initialize\" aria-expanded=\"false\" :aria-expanded=\"active ? 'true' : 'false'\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<button class=\"accordion-button-with-icon block-accordion-item-head\" :class=\"{'button-active': active}\" ref=\"head\" aria-controls=\"acc_6a7123cfc334b\" id=\"acc_title_6a7123cfc334d\" @click=\"toggle\" @keydown=\"key\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div><span class=\"button-label\">Thuli Wolf<\/span><\/div><span class=\"button-icon icon-plus\" aria-hidden=\"true\"><\/span>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/button>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div ref=\"body\" class=\"block-accordion-item-content\" id=\"acc_6a7123cfc334b\" role=\"region\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"wrapper copy\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<p>Person aus den Bereichen bildende Kunst, Medizin und Kunsttherapie<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">\u201eWie gehen wir mit dem um, was uns mitgegeben wird? Wie bringen wir zum Ausdruck, was so tief in uns verborgen liegt? In einigen meiner Arbeiten habe ich untersucht, wie Krankheiten, intensive Gef\u00fchle und die Beziehung zu meinem Selbst mein Dasein beeinflussen.\u201c<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Thuli Wolf ist eine autodidaktische deutsch-simbabwische bildende K\u00fcnstlerin, \u00c4rztin und Kunsttherapeutin. Ihre Arbeit bewegt sich an der tiefgreifenden Schnittstelle von kreativem Ausdruck und Heilung. Aufgewachsen in einer \u00fcberwiegend wei\u00dfen Kleinstadt in Ostdeutschland, begann Wolf bereits in fr\u00fcher Kindheit k\u00fcnstlerisch zu arbeiten. Die Kunst wurde f\u00fcr sie zu einem wichtigen Schutzraum, in dem sie mit tiefen Gef\u00fchlen von Einsamkeit und Angst umgehen konnte. Obwohl ihr kreatives Talent von P\u00e4dagog*innen stark gef\u00f6rdert wurde, folgte Wolf zun\u00e4chst dem famili\u00e4ren Weg in die Medizin und stellte die Kunst vor\u00fcbergehend zur\u00fcck. Erst w\u00e4hrend einer pers\u00f6nlichen Krise kehrte sie zur Leinwand zur\u00fcck. Die Malerei wurde zu einem Rettungsanker und machte ihr schlie\u00dflich bewusst, dass ihre eigentliche Berufung in der heilenden Kraft der Kunst lag. Dies f\u00fchrte zu ihrem Wechsel in die Kunsttherapie und zur Gr\u00fcndung einer eigenen Praxis.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Wolf arbeitet vor allem mit Acrylfarben, Tusche und \u00d6lpastellkreiden auf Leinwand. Ihre abstrakten Kompositionen entstehen intuitiv und erkunden in vielschichtigen \u00dcberlagerungen innere Landschaften, in denen fr\u00fchere Spuren wie Erinnerungen durch einen Nebel hindurchschimmern. Die K\u00fcnstlerin untersucht, wie Kunst unsere Wahrnehmung der Welt ver\u00e4ndern kann. Ihre Arbeiten fragen danach, was es bedeutet, Raum einzunehmen in einer Welt, die von marginalisierten Menschen immer wieder verlangt, sich kleiner zu machen.<\/p>\n<p class=\"isSelectedEnd\">Ein entscheidender Wendepunkt in Wolfs Entwicklung war die Ausstellung von Zanele Muholi im Berliner Gropius Bau. Angesichts von Muholis kompromisslosen und mutigen Portr\u00e4ts fand Wolf den Mut, sich der eigenen inneren Welt zuzuwenden, ihre Identit\u00e4t als afrikanische und queere Frau anzunehmen und ihr Schwarzsein nach Jahren des Versuchs, sich an die wei\u00dfe deutsche Gesellschaft anzupassen, vollst\u00e4ndig zu bejahen. Diese innere Ver\u00e4nderung wurde durch zahlreiche Reisen auf dem afrikanischen Kontinent sowie durch die sp\u00e4tere Verbindung mit der Schwarzen Community in Berlin vertieft. Diese Erfahrung ver\u00e4nderte Wolfs Verst\u00e4ndnis des Ausstellungsthemas <strong>THE GOLDEN THREAD<\/strong> grundlegend.<\/p>\n<p>F\u00fcr Wolf zeigt sich dieser Faden nicht in materiellem Reichtum, sondern in der unzerst\u00f6rbaren Verbindung einer gemeinsamen diasporischen Zugeh\u00f6rigkeit. Die Begegnung mit dieser Gemeinschaft beschreibt sie als etwas, das \u201ekostbarer ist, als Gold es jemals sein k\u00f6nnte\u201c: als einen transformativen Raum, in dem sie sich erstmals vollkommen verstanden, ernst genommen und best\u00e4rkt f\u00fchlte. Diese Verbindung bildet ihren pers\u00f6nlichen goldenen Faden. Sie vermittelt ein tiefes Gef\u00fchl von Sicherheit und ein radikales Willkommen, das kein Staat, keine Regierung und kein geografischer Ort jemals bieten k\u00f6nnte.<\/p>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"row\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"col-xs-9 col-md-9\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"box\">\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion-item>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t\t<\/block-accordion>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/div>\n<\/section>\n\n\n<section class=\"block block-header\" >\n\t<block-header inline-template>\n\t\t<figure role=\"group\" aria-labelledby=\"desc_m_6a7123cfc3822\">\n\n\t\t\t<script type=\"application\/json\" ref=\"data\">\n\t\t\t\t{\n\t\t\t\t\"sizes_d\" : {\"medium\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-300x200.jpg\",\"width\":300,\"height\":200,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":17687},\"large\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-1024x683.jpg\",\"width\":1024,\"height\":683,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":128868},\"thumbnail\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-150x150.jpg\",\"width\":150,\"height\":150,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":7607},\"medium_large\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-768x512.jpg\",\"width\":768,\"height\":512,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":79546},\"small\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-440x293.jpg\",\"width\":440,\"height\":293,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":32210},\"semi\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-580x387.jpg\",\"width\":580,\"height\":387,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":51512},\"mobile\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-720x480.jpg\",\"width\":720,\"height\":480,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":71876},\"hd\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-1280x853.jpg\",\"width\":1280,\"height\":853,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":184128},\"full\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-1920x1280.jpg\",\"width\":1920,\"height\":1280,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":357350},\"1536x1536\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-1536x1024.jpg\",\"width\":1536,\"height\":1024,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":249118},\"2048x2048\":{\"file\":\"SHF_eb00253072-2048x1365.jpg\",\"width\":2048,\"height\":1365,\"mime-type\":\"image\\\/jpeg\",\"filesize\":401286},\"original\":{\"file\":\"SHF_eb00253072.jpg\",\"width\":3600,\"height\":2400}},\n\t\t\t\t\"alt_d\" : \"Zwei Frauen betrachten Kunstwerke in einer Ausstellung, w\\u00e4hrend ein Mann im Hintergrund steht. 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Berlin, 28.07.2022.<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<div class=\"insignificant\">\u00a9 Stiftung Humboldt Forum im Berliner Schloss\/ Foto: Xander Heinl\/ photothek.de<\/div>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t<\/lazy-media-inline>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t<\/a>\n\t<\/calendarteaser>\n<\/li>\n\n\t\t\t\t<\/ul>\n\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/lazy-component>\n<\/section>\n\n","protected":false},"template":"","genre":[391],"digital":[],"topic":[],"stakeholder":[382],"editorial":[],"editorialfilter":[],"targetgroup":[],"language":[],"accessability":[],"age":[],"school":[],"groupsize":[],"place":[957],"class_list":["post-167875","event","type-event","status-publish","hentry","genre-ausstellung","stakeholder-stiftung-humboldt-forum-im-berliner-schloss","place-foyer"],"acf":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event\/167875","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/types\/event"}],"version-history":[{"count":10,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event\/167875\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":168701,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/event\/167875\/revisions\/168701"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=167875"}],"wp:term":[{"taxonomy":"genre","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/genre?post=167875"},{"taxonomy":"digital","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/digital?post=167875"},{"taxonomy":"topic","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/topic?post=167875"},{"taxonomy":"stakeholder","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/stakeholder?post=167875"},{"taxonomy":"editorial","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/editorial?post=167875"},{"taxonomy":"editorialfilter","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/editorialfilter?post=167875"},{"taxonomy":"targetgroup","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/targetgroup?post=167875"},{"taxonomy":"language","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/language?post=167875"},{"taxonomy":"accessability","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/accessability?post=167875"},{"taxonomy":"age","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/age?post=167875"},{"taxonomy":"school","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/school?post=167875"},{"taxonomy":"groupsize","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/groupsize?post=167875"},{"taxonomy":"place","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.humboldtforum.org\/de\/wp-json\/wp\/v2\/place?post=167875"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}